El Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá es considerado uno de los tres mejores del mundo por su capacidad de convocatoria tanto de artistas como del público que cubre el 50% del presupuesto total. Al haber logrado convertir cada peso invertido en 4,3 más se ha posicionado como la fiesta cultural que más dinero genera en Colombia. En un país agitado por el narcotráfico y la violencia de las guerrillas, además, ha logrado realizar quince ediciones bienales sin interrupción.
Se trata de una de las gestiones culturales más exitosas de la región y una de las pocas, ademas de Argentina, que incluye en su programación la Ventana Internacional de las Artes. Se trata de tres días de ruedas de negocios en las que los artistas tienen la oportunidad de presentar sus proyectos a promotores e inversores de artes escénicas de todo el mundo.
LaMula.pe conversó con algunos los protagonistas de la XV edición del festival sobre cuáles son las claves para desenvolverse como artista en el mundo de los negocios y la gestión para sacar adelante nuevas creaciones. Estas fueron sus respuestas.
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Fabiana Medina
(Cargo: Directora / Compañía: Colectivo Mukashi Mukashi / Obra: Pacamambo / País: Colombia)
Sinopsis de obra:
Indignada por la muerte de su abuela María-María, Julie es una niña que pasa de la rebeldía a la aceptación, del dolor por la pérdida de su abuela a la esperanza de volver a encontrarla en un lugar maravilloso que ambas invocan: el país de Pacamambo. Pacamambo es una obra del célebre dramaturgo libanés, Wajdi Mouawad, que suele enfrentar a los personajes de sus obras para adultos a convivir varios días con un ser amado que ya está muerto. Pacamambo trata el duelo en los niños con un derroche de poética fantasía y aguda penetración psicológica. Es mucho más que una obra para niños. Es también una obra que secretamente habla de la guerra y de la intolerancia.
Consejo:
"Soy muy nueva en los temas de negocio. Es una experiencia difícil porque hay que aprender a venderse y cuando eres artista no quieres entrar en ese terreno y más bien que los juzguen por su trabajo. Pero uno debe aprender a valorar su trabajo, a darle un precio, a comunicarse de otra manera, a hacer contactos y, sobre todo, aprender que lo que estas sembrando hoy probablemente no va a dar frutos en la próxima programación pero sí de acá a cinco años. Hay que proyectarse al futuro y no pensar tanto en los resultados inmediatos cuando se es nuevo como compañía. Aunque la calidad sea buena ,hay gente que lleva mucho tiempo en esto y que lo sabe hacer muy bien. No hay que afanarse pero sí hacer la tarea".
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Malco Oliveros
(Cargo: Manager / Compañía: Granhøj Dans / Obra: ROSE: Rite of Spring / País: Dinamarca)
Sinopsis de la obra:
La primavera se experimenta en el cuerpo de un modo tan bello como implacable, sin que esté exento de disputas y rituales sacrificiales. Los ritos de iniciación, de paso, son los protagonistas de este espectáculo de danza contemporánea de la compañía danesa Granhøj Dans. Esta es su segunda interpretación de La consagración de la primavera de Igor Stravinski. La primera vez se concentró en el cuerpo masculino; en esta oportunidad expresa los cambios que experimenta la mujer que sale de la niñez y entra en la vida adulta. Se trata de una interpretación cruda y alegórica, que con la fuerza expresiva del desnudo narra cómo el cuerpo es marcado por la diferenciación entre géneros.
Consejo:
"Los artistas han tenido que adaptarse y entender la dinámica. Todavía hay quienes separan al negociante del artista porque se cree que el arte no es un producto cualquiera y que no es un producto que se debe negociar de manear distinta. Pero se ha desarrollado una industria a la que te tienes que adaptar, aprender sus métodos y utilizarlos sin necesidad de perder tu integridad. Se habla de arte pero es un mercado en la medida que compras y vendes".
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Ciro Gomez
(Cargo: Director / Compañía: Hilos Mágicos / Obra: Patatín patatán / País: Colombia)
Sinopsis de la obra:
El sastre del pueblo pide ayuda a sus tres hijos, Carlucho, Carlangas y Carlitos, para llevar a pastar a su única cabra; por culpa de ella deben abandonar su casa e ir a buscar sus destinos en otros lugares. Al pasar el tiempo, cada uno aprende un oficio diferente y obtiene de sus maestros regalos sorprendentes que les son arrebatados por el pícaro posadero del camino; pero todos logran retornar a casa de su padre, quien finalmente echa a la embustera cabra, cuyo inesperado destino todos en el teatro podrán develar.
Consejo:
"En la época de los sesenta o setenta nosotros vivíamos y trabajábamos para el teatro con una mística muy fuerte. Nuestra posición política era de que el teatro lo hacíamos para que llegara a la mayor cantidad de espectadores sin importar lo económico. Pero poco a poco nos hemos dado cuenta que este también es un trabajo y si uno quiere vivir para este trabajo tiene que vivir de este trabajo. Hoy, ante los promotores o inversionistas, buscamos antojarlos. También procuramos darles ideas de qué pueden hacer con el teatro de muñecos en sus festivales que usualmente están orientados al teatro de actores. Nosotros hemos tranzado con músicos que nos hacen la sonorización para cada montaje, artistas plásticos que hacen las escenografías y todos ellos son profesionales que merecen vivir de su trabajo".
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Omar Porras
(Cargo: Director / Compañía: Teatro Malandro / Obra: La visita de la vieja dama / País: Suiza)
Sinopsis de la obra:
La visita de la vieja dama es la historia de una mujer que después de 20 años regresa convertida en una millonaria a su pueblo natal, de donde huyó como madre soltera y despreciada por todos. El pueblo ha caído en la miseria y ve en la visita de su antigua paisana la oportunidad de salir de la ruina. Y esa oportunidad llega, pero a costa de cumplir su venganza: la vieja dama acepta donar cien millones si se le entrega la cabeza de su antiguo amante, causa de su desgracia pues negó ser el padre del hijo que ella estaba esperando. ¿Es la justicia una forma de venganza, o la venganza una forma de justicia?
"La compañía la fundé hace 25 años en Ginebra y este fue uno de los primeros montajes que realizamos. Tuvo mucho éxito en aquella época. El espectáculo ganó algunos premios y eso nos permitió extender nuestros canales de difusión en Europa. Este es el tercer montaje y sigue habiendo una relación fuerte con la noción de las ayudas que nos presta el gobierno. Una obra que recibe el apoyo del Estado tiene un responsabilidad de perennizar esa inversión que hace el Estado. Esa inversión que hizo en 1993 fue la semilla para que se siga desarrollando el resto de la compañía y, a la vez, el mismo montaje. Eso es hacer existir una obra durante el tiempo para que sea vista por mucho público, para que represente la ciudad de donde viene y represente al equipo".
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Erika Ortega
(Cargo: Directora / Compañía: Coproducción de La Ventana Producciones y Compañía Dos Puntos / Obra: MK Ultra / País: España y Colombia)
Sinopsis de la obra:
Las décadas del cincuenta y sesenta, marcadas por la Guerra Fría, engendraron conspiraciones dementes a las que condujo el afán de racionalizar la muerte a través del control mental. En este ambiente surgió el programa MK Ultra de la CIA. A partir de esta situación, hoy a todas luces burlesca, La Ventana Producciones propone su espectáculo MK Ultra: circo, chicas y conspiranoia, en el que el experimento es la excusa de la comedia. Ocho mujeres encarnan íconos femeninos de la cultura pop para que la escena se llene de secretos y erotismo filtrados a través de un alto nivel de destreza: danza, malabares, acrobacias de piso, contorsionismo, acrobacias aéreas en cadenas, manipulación de objetos, contact y funambulismo.
Consejo:
"La Ventana que es la productora de este espectáculo tiene diferentes líneas de acción diferentes a la mera creación. Trabajamos ramas como campañas de impacto a través del arte, eventos de lanzamientos, marketing en escena y eso es lo que nos permite pagar el lugar donde creamos e investigamos. También hacemos muchas alianzas estratégicas y eso es muy bueno para los jóvenes. Una alianza con una empresa que hace maquillaje y te puede ahorrar una buena cantidad de presupuesto. Depende mucho de qué se trate la obra, la calidad de esta y si está enfocada en el público que ellos tienen. Es fácil si tu reconoces qué necesita el cliente al que vas a ir y crear para él un plan de mercado".
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Mike Shepherd
(Cargo: Director / Compañía: Kneehigh / Obra: Dead Dog in a Suitcase (and other love songs) / País: Reino Unido)
Sinopsis de la obra:
La obra está basada en La ópera del mendigo, estrenada en Londres en 1728, con tal éxito que con las ganancias se construyó el primer Covent Garden. Si la original trataba de bandoleros, ladrones de caminos y prostitutas, y la de Brecht aludía al fascismo, la versión de Kneehigh parece asunto de conspiraciones corporativas y sicarios urbanos; pero da siempre origen a un original Robin‐Hood. Dead Dog in a Suitcase (and other love songs) tiene misterios que no lo son para el espectador; un villano al que es fácil amar; un policía que canta rock pesado con un megáfono; bailes en burdeles; un par de títeres; un escenario dinámico de andamio con tobogán; y un perro muerto que pasa casi toda la obra entre una maleta.
Consejos:
"En un comienzo nunca pensamos en el dinero. Cada quien tenía su trabajo y ensayábamos por las noches. Puede que la clave comience por la audiencia. Nuestra compañía es muy querida y eso parte porque creemos que nuestros logros son producto de ellos. Lo primero por eso debe ser la fidelización del público".
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Tomaž Pandur
(Cargo: Director / Compañía: The Slovenian National Theatre Drama Ljubljana & Co-producer Ljubljana Festival / Obra: Fausto / País: Eslovenia)
Sinopsis de la obra:
Fiel a una personal estética teatral, el escenario de este Fausto es, rigurosamente monocromático: toda la escenografía y el vestuario está en la escala de grises a negro, solo interrumpida simbólicamente por un rojo sanguíneo, y recuerda la versión cinematográfica y expresionista del Fausto de Murnau. El hombre que vendió su alma al diablo, el que descubrió su otro rostro en el rostro de Mefistófeles, el que pide que a cambio de su alma se le devuelva la juventud y se le permita el acceso al placer y al conocimiento absolutos, es el protagonista de este laboratorio de alquimia, en donde el texto de profundidades existenciales y herméticas de una obra inspirada en las versiones de Marlowe y Goethe se desliza demoniaco en el escenario para hacernos dudar de los límites entre el bien y el mal.
Consejo:
Desafortunadamente no hay una receta ni una regla. Lo que yo hice en mi carrera fue ser honesto conmigo mismo. Uno tiene que estar aferrado a sus deseos, sus emociones, su corazón, ser honesto y modesto. Hay que tener mucha paciencia. Nada es un regalo y hay que luchar por el derecho a expresarse. Los artistas son como guerreros que tienen que luchar por el derecho a expresarse desde sus propias verdades. Si no hablas desde tu propia convicción nada tendrá sentido. Si lo haces, hablarás realmente de las necesidades. ¿Cómo sabes que vas por el camino correcto? Cuando sientes que tu miedo crece.
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Cédric Charron
(Cargo: Actor / Compañía: Troubleyn-Jan Fabre / Obra: Attends, Attends, Attends / País: Bélgica)
Sinopsis de la obra:
En la primavera de 2014, Fabre creó un solo de danza y performance para el espectacular bailarín Cédric Charron, quien desde hace más de diez años ha sido una figura estelar de la compañía de Fabre. El coreógrafo se inspiró en una carta que Charron le envió a su padre, en donde le pedía que se pusiera en su lugar y comprendiera su decisión de ser artista. La pieza de Fabre pone a Charron en escena a dialogar con su padre ya muerto y a ejecutar esta obra de danza y performance para construir un hermoso símbolo acerca de las relaciones filiales.
Consejo:
"El arte es una lucha de todos los días. Es una decisión de la vida muy importante que requiere de un compromiso total. Se necesita mucho trabajo. Se trata de 2% de talento y 98% de trabajo. La situación en el mundo no es fácil para el arte pero se necesita seguir luchando. Hay algo muy importante en el arte y es que no existe una sociedad democrática sin arte y arte fuerte, no uno solo de entretenimiento sino de posiciones fuertes que no tienen que estar en sintonía necesariamente con los gobiernos o las masas".
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Jaime Lorca
(Cargo: Director y actor / Compañía: Viajeinmóvil / Obra: Otelo / País: Chile)
Sinopsis de la obra:
Jaime Lorca y Nicole Espinoza, además de encarnar al alférez Yago y a su mujer Emilia, se desdoblan para manipular a los maniquíes de Otelo y Desdémona, disociándose hasta convertirse en los siameses de sus muñecos, con una maestría que el crítico de El País no duda en calificar como “algo subyugante y profundamente esquizoide”. La sincronía de los actores es asombrosa, pues no pocas veces ambos manipulan un muñeco desmembrado, quedándose uno con su cabeza y otro con sus pies y su voz, como en la bella escena del baño de Desdémona.
Consejo:
"Esta obra la hicimos sin ningún apoyo porque no lo ganamos. A veces ganamos y a veces perdemos. Es como ir a pescar. Eso es terrible y agotador. En Chile la institución se llama FONDART, entonces uno siempre ando fondarteando. Cuando invito gente a mi obra yo siempre les pregunto si son fondeartistas o artistas, porque, les aclaro, nosotros lo vamos a hacer igual. Y de eso se trata, de hacerlo igual y se hace como hemos hecho Otelo: con nada, yendo a un mercadillo de cosas viejas que es el mejor nutriente para el teatro que no tiene plata. Si a nosotros nos roban las cosas, las recuperamos con doscientos dólares. Así se hace. Sino uno se frustra".
